Nº Inventario: 3 I 45
Autor: Neroccio di Bartolomeo de Landi (Siena, 1447-1500).
Tema: Virgen de la Leche.
Datación: Siena, 2ª ½ Siglo XV.
Técnica y soporte: Temple sobre Tabla.
Medidas: 46 x 35 cm. (superficie pintada)
90 x 55 cm. con marco neorrenacentista dorado.
Descripción y Comentario: Composición vertical representando a María amamantando al Niño en un espacio interior, frente a una ventana por la que se observa un paisaje con un río y colinas verdes. La Virgen está sentada a la derecha, completamente absorbida por la admiración y afecto al Niño, frente a un escritorio de oración que mantiene un libro de oraciones. Su rostro es dulce, sereno, tierno y solemne a la vez. La luz ilumina el rostro aumentando la sensación de serena dulzura y paz infinita. Nos encontramos con una Virgen de rostro dulce, reflexivo, tierno y sereno. Preciosa la rubia cabellera cubierta por un transparente y delicado velo. Sus manos, cadenciosas, tienen un valor musical. Su vestido en brocado dorado, su manto en azul oscuro fuerte, indica un orden de alto rango debido al valioso tinte lapislázuli con el que está pintado.
El Niño, desnudo, apenas cubierto por fino velo, sentado, con dulce expresión, mama del pecho de su Madre, que mantiene con su mano derecha. Mantiene contacto visual con el espectador, sosteniendo en su mano izquierda un pequeño pájaro, un jilguero, que nos remonta a la leyenda de que cuando Jesús era niño, hizo pájaros de arcilla, que luego volaron vivos, en clara referencia a la Resurrección en la Edad Media. El color en el pájaro, indica el sufrimiento futuro de Cristo.
El colorido de las imágenes de Madre e Hijo en finas gradaciones, delimitando gráficamente con nitidez los contornos, así como la utilización de colores brillantes, hacen referencia claramente a las obras de Bartolomeo de Landis y su círculo.
Neroccio di Bartolomeo de ‘Landi (1447-1500) fue un pintor y escultor italiano del período del Renacimiento temprano o del Quattrocento en Siena. Nació en una aristocrática familia sienesa, y se formó junto a Lorenzo di Pietro. Ya como artista independiente, compartió taller con Francesco di Giorgio Martini desde el año 1475, aunque en 1468 ya tenemos noticias de su actividad, cuando la Cofradía de San Girolamo de Siena le encargó un retablo y una escultura de terracota policromada. En 1472 pintó una Asunción para la abadía de Monte Oliveto Maggiore.
Estilísticamente estuvo plenamente integrado en la corriente cuatrocentista; no obstante su pintura mezcla los viejos motivos sieneses con una nueva sensibilidad, elegante y algo ingenua, tal vez adquirida en Florencia con el ejemplo de maestros más avanzados como Filippo Lippi o Andrea del Verrocchio.
Pintó Escenas de la vida de San Benito, ahora en los Uffizi, probablemente en colaboración con di Giorgio, y una Virgen con el Niño entre San Jerónimo y San Bernardo, que está en la Pinacoteca de Siena. En 1472 pintó una Asunción para la abadía de Monte Oliveto Maggiore, y en 1475 creó una estatua de Santa Catalina de Siena para la iglesia de Siena dedicada a ella. Se separó de di Giorgio en ese mismo año, 1475. En 1483 diseñó la Hellespontine Sybil para el pavimento de mosaico de la Catedral de Siena y la tumba del obispo Tommaso Piccolomini del Testa.
Su pintura es poco conocida, porque a mediados del siglo XV, los días de gloria de la Siena medieval habían terminado. Si bien su arte de ese período ha sido ampliamente admirado, la pintura posterior del período renacentista de Siena ha sido ignorada en gran medida fuera de Italia. Esto se debe en parte a que Siena fue conquistada por la vecina Florencia a mediados del siglo XVI, y con la historia del arte de la región, escrita por los vencedores, los logros de los artistas sieneses fueron eclipsados por su rival florentino, más poderoso.
Neroccio de ‘Landi, proveniente de una distinguida familia patricia, parece haber querido a lo largo de su vida expresar la nobleza del rostro humano así como la elegancia de los gestos y actitudes en sus pinturas. No aprovechó muchas innovaciones de la primera mitad del siglo XV y, de hecho, uno tiene la impresión de que Neroccio, olvidándose de sus antecedentes artísticos directos, hubiera querido remontarse a las tradiciones del siglo anterior. Y sin embargo, de hecho, conocía y empleaba los dispositivos de la perspectiva y, usaba la luz y la sombra en el modelado de sus figuras, pero estaba menos interesado en estos. Neroccio no deseaba negar la calidad bidimensional de la superficie que pintaba, la aplicación del escorzo y la adición de profundidad a su composición, todos ellos le preocupaban sólo en la medida en que contribuían al efecto armonioso de la composición en su conjunto. No buscó un método para lograr la unidad plástica, sino más bien un medio para exponer la mayor cantidad posible de belleza de los detalles y hacer que la superficie pictórica fuera lo más rica posible.
En general, los artistas sieneses de mediados del siglo XV se remontaron a los días de gloria de la república, eludiendo el realismo y el estilo naturalista del arte que se desarrollaba en Florencia, en favor de líneas fuertes y elegantes, así como el uso generoso del dorado y las disparidades de escala, que sirvieron para venerar y enaltecer a los personajes que la ciudad apreciaba. La primera y más importante de ellas fue la Virgen María, a la que estaba dedicada la ciudad. Se creía ampliamente que había intercedido en nombre de la ciudad en muchas ocasiones, y las pinturas la muestran uniéndose al Papa para bendecir la ciudad o protegerla de los terremotos y a sus marineros de las tormentas.
Junto con la Virgen, Siena se dedicó a sus santos nativos, en particular a San Bernardo, un carismático predicador franciscano que murió en 1444 y canonizado solo seis años después, y a Santa Catalina, una mística dominica muy querida que murió en 1380.
Este orgullo cívico y este deseo de ser diferente, en un entorno donde las ambiciones territoriales de Florencia y otros estados italianos más poderosos se vislumbraban siempre presentes, iban a moldear el estilo artístico de Siena.
Sin embargo, el arte de la ciudad no caería en el vacío, y aunque existía la tradición de copiar del arte de la edad de oro de la ciudad antes de la Peste Negra de 1348, de artistas como Simone Martini, la influencia de las visitas a Siena de artistas como Donatello no se pueden subestimar y fueron de vital importancia.
Escultor y pintor, Neroccio de ‘Landi fue uno de los artistas más consumados de la Siena de finales del siglo XV. Sus producciones pintadas se centraron en imágenes devocionales de la Virgen y el Niño solos o con santos. El formato con dos santos acompañantes detrás de la Virgen es convencional o habitual en sus composiciones. El tratamiento lírico y en relieve de Neroccio de las figuras y su énfasis en el refinamiento de la superficie le son peculiares. Así, el estilo de Neroccio permanece casi sin cambios en sus varias composiciones que presentan la Virgen con el Niño y Santos. El dibujo es siempre perceptiblemente sutil y ligero, los colores no brillan con el barniz, sino que encantan con su efecto opaco lechoso sin lacar.
Neroccio se especializó en obras religiosas de pequeño formato, como la que nos ocupa, donde los personajes se hallan inmersos en líricos y delicados ambientes. Una notable excepción dentro de su producción es el notable Retrato de una dama conservado en Washington, obra tardía que supone toda una rareza dentro del arte cuatrocentista sienés. Su hermoso uso del color y su capacidad de adaptarse a diferentes soportes hicieron de él un artista de notable éxito entre sus contemporáneos. Entre sus obras no pictóricas podemos citar del diseño de los mosaicos de la Catedral de Siena (Sibila Helespóntica, 1483) o diversas esculturas (Santa Catalina de Siena, Oratorio de Santa Catalina, Siena, 1474), así como la tumba del obispo Tommaso Piccolomini del Testa.
Obras pictóricas suyas, se conservan en Museos de todo el mundo. En la Pinacoteca Nazionale de Siena se conservan dos tablas de 1476; una Virgen con el Niño entre San Bernardo y San Miguel Arcángel y una Virgen con el Niño entre San Jerónimo y San Bernardo de Siena (Fig. 1-2). En otras ciudades de Italia se conservan una Virgen con el Niño (1460-1470) (Fig. 3) Museo Poldi Pezzoli, Milán, una Virgen con el Niño (1470-1475) (Fig. 4), Accademia Carrara, Bergamo) y Escenas de la Vida de San Benito (1475, Uffizi, Florencia), tradicionalmente atribuidos a Francisco di Giorgio.
En Europa hay varios museos que conservan obras suyas. En París se conserva una Virgen con el Niño, San Juan y San Antonio (Museo del Louvre) (Fig. 5). En Berlín, Virgen con Niño, San Benito y Sta. Catalina (Gemäldegalerie) (Fig. 6). En Frankfurt, Virgen con Niño con San Sebastián y Santa Catalina de Alejandría (Museo Staedel) (Fig. 7). En el Christian Museum de Esztergom (Hungría), se conserva también, una Virgen con Niño con San Sebastián y Santa Catalina (Fig. 8).
Pero es sobre todo en museos de los Estados Unidos, donde más obras se conservan de Bartolomeo de Landi; La Batalla de Actium (1475-1480) y Visita de Cleopatra a Antonio (1475-1480, North Carolina Museum of Art, Raleigh), Anunciación (1476) (Fig. 9), Yale University, New Haven, Virgen con el Niño, San Juan y Santa Catalina de Alejandría (Fig. 10) (1476-1480, Norton Simon Museum, Pasadena), Virgen de la Anunciación (1477-1480, Museum of Fine Arts, Boston), Retrato de una dama (c. 1485) (Fig. 11), Claudia Quinta (1490-1495) y Virgen con el Niño, San Antonio Abad y San Segismundo (1490-1495) (Fig. 12), National Gallery of Washington, Virgen con el Niño y jilguero (c. 1490, Cleveland Museum of Art), Virgen con el Niño y los santos Jerónimo y María Magdalena (Fig. 13) (c. 1490, Metropolitan Museum of Art, NY), Virgen con el Niño, San Juan y Santa María Magdalena (1495) (Fig. 14-15) Museum of Art, Indianapolis) y una Virgen con el Niño y santos (c. 1500, Snite Museum of Art, Notre Dame, Indiana)
Estado de Conservación: Bueno.
Procedencia:
– Colección privada, Alemania.
Bibliografía de Referencia:
– Bryan, Michael (1889). Walter Armstrong y Robert Edmund Graves (ed.). Diccionario de Pintores y Grabadores, Biográfico y Crítico (Volumen II LZ) . York St. # 4, Covent Garden, Londres; Original de Fogg Library, digitalizado el 18 de mayo de 2007: George Bell and Sons. pag. 11.
– Marina Sennato (ed.) (1998). Dizionario Larousse della Pittura Italiana. Gremese Editore, Roma. ISBN 88-7742-185-1, página 352.
– The Grove Dictionary of Art, MacMillan Publishers (2000)
Enlaces: https://youtu.be/C6gx9kWEtmg
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